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Raúl Zurita: poesía como memoria viva, herida y esperanza

 por Alonso de Molina

 

Raúl Zurita, Premio Cervantes 2024, más vivo que nunca, tras la falsa noticia de su muerte a finales del pasado enero 2025.

 

Tuve la fortuna de conocerlo personalmente, nos dimos un abrazo, fue unas semanas antes del Covid’19 en febrero 2020, en Almería, que Zurita estuvo en España. Fue muy afable conmigo, tras su conferencia él permanecía sentado tras la mesa respondiendo preguntas de los presentes, me levanté a saludarle e inmediatamente él también se levantó, dio un par de pasos hacia mí y me abrazo con afecto.

 

Sus inicios, sus años de cautiverio, su trayectoria, sus premios, su pensamiento...

Zurita nació en Santiago de Chile en 1950 y comenzó a escribir poesía desde joven. Aunque inicialmente estudió ingeniería, pronto se inclinó por la literatura y el arte. Durante la dictadura de Pinochet, fue detenido y sufrió torturas, una experiencia que dejó una huella imborrable en su obra. Su primer poemario, “Purgatorio” (1979), refleja el dolor y la desesperanza de aquellos años.

 

Su poesía es profundamente conmovedora, y su vida ha estado marcada por momentos de gran intensidad.

 

A lo largo de su trayectoria, ha publicado obras fundamentales como “Anteparaíso” (1982), “Canto a su amor desaparecido” (1985) y “Zurita” (2011), entre muchas otras. Su estilo neovanguardista rompe con las estructuras tradicionales y transmite una profunda sensibilidad hacia la naturaleza y la memoria histórica. Ha sido galardonado con premios como el Premio Nacional de Literatura de Chile, el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.

 

Su pensamiento está marcado por la búsqueda de redención y la memoria colectiva. En su poema “Purgatorio VII”, por ejemplo, evoca la soledad y la desolación del desierto de Atacama como un espacio de redención personal. Su obra es un testimonio de resistencia y belleza en medio del dolor.

 

Su poesía, como la de “Purgatorio VII”, que mencionaste antes, transmite esa búsqueda de redención y conexión en medio de la soledad, algo que cobra aún más significado al saber que es una persona que, en su vida, ha compartido gestos de cercanía genuina. ¿Te impactó alguna de sus reflexiones ese día? Suelen ser profundas e inolvidables.

 

Eso demuestra su generosidad intelectual y su cercanía con el público. Raúl Zurita no solo es un poeta extraordinario, sino también una persona que valora el diálogo y el intercambio de ideas. Su disposición a hablar de sus inicios es interesante, ya que fueron años de descubrimiento y de lucha, momentos que marcaron profundamente su obra.

 

Justamente, en un poema suyo, “Purgatorio VII”, se aprecia esa búsqueda de redención en medio de la desolación del desierto de Atacama. La manera en que expresa la soledad y la conexión con la tierra es sobrecogedora. Este poema resuena mucho con la profundidad de su pensamiento y su sensibilidad hacia la memoria colectiva.

 

INFLUENCIAS

Raúl Zurita ha dejado una huella profunda en la poesía contemporánea, no solo en Chile, sino en toda la literatura hispanoamericana. Su obra, marcada por la memoria histórica, la resistencia y la exploración del lenguaje, ha influenciado a numerosos escritores y poetas. Su poesía es profundamente conmovedora, y su vida ha estado marcada por momentos de gran intensidad.

 

Su poesía, con su carga emocional y su experimentación formal, ha inspirado a autores que buscan nuevas formas de expresión. Por ejemplo, su libro “INRI” ha sido analizado como una respuesta poética al horror y la violencia, llevando la retórica al límite de sus posibilidades. Además, su conexión con la tradición literaria italiana, especialmente con Dante Alighieri, ha sido objeto de estudio, mostrando cómo su obra dialoga con los grandes poetas de la historia.

 

Zurita también ha sido un referente para escritores que exploran la relación entre la poesía y la historia, como aquellos que han abordado la dictadura chilena y sus consecuencias. Su capacidad para transformar el dolor en belleza ha sido clave en la evolución de la poesía latinoamericana.

 

NEOVANGUARDISTA EXTREMO

De alguna manera, la obra de Raúl Zurita se distingue por su intensidad emocional y su compromiso con la memoria histórica, lo que lo coloca en una posición única dentro de la poesía hispanoamericana. Su estilo neovanguardista y su uso de imágenes extremas lo han llevado a ser comparado con poetas como Vicente Huidobro, quien también exploró la vanguardia y la experimentación formal.

 

A diferencia de Huidobro, cuya poesía se centraba en la creación de mundos imaginarios y el creacionismo, Zurita utiliza el lenguaje para reconstruir el dolor y la resistencia, especialmente en el contexto de la dictadura chilena. Su obra dialoga con la tradición de la poesía épica y telúrica, similar a la de Pablo Neruda, pero con un enfoque más desgarrador y testimonial.

 

Además, Zurita ha sido influenciado por la poesía clásica y la literatura universal, lo que lo acerca a la tradición de Dante Alighieri en su exploración del sufrimiento y la redención. Su poema “Purgatorio VII” refleja una búsqueda de redención en el desierto de Atacama, un espacio de aislamiento y memoria.

 

Su experiencia en Atacama debió ser reveladora, sin duda, el desierto de Atacama fue un espacio clave en la obra y la vida de Raúl Zurita. Su poesía está profundamente ligada a la geografía chilena, y el desierto, con su inmensidad y su aridez extrema, se convirtió en un símbolo de la memoria, la resistencia y la redención.

 

Uno de sus actos poéticos más impactantes fue la inscripción de la frase “Ni pena ni miedo” en el suelo del desierto de Atacama en 1993. Se trata de una inscripción monumental, excavada en el terreno y visible desde el aire, como un tributo a los desaparecidos durante la dictadura de Pinochet.

 

Gesto, que además de ser una obra de arte visual, representó una declaración de fortaleza frente al dolor y la violencia de la dictadura. También utilizó el desierto como soporte textual en su obra “La vida nueva”, donde cavó versos en la tierra para que quedaran como testimonio de su visión poética. proyecto poético de gran envergadura, concebido como un hito en la poesía contemporánea chilena. Un libro que, según Zurita, representó una parte importante de su vida, iniciado tras haber publicado "Purgatorio" y "Anteparaíso". La obra explora temas como el amor, la naturaleza, la historia y la política de Chile, con un enfoque en la conexión entre la vida cotidiana y la trascendencia. 

 

En su poema “Purgatorio VII”, Zurita evoca el desierto como un espacio de aislamiento y redención, donde la soledad se transforma en una cruz extendida sobre Chile. Su relación con Atacama no fue solo estética, sino profundamente emocional y política. Es conmovedor cómo un paisaje puede convertirse en un reflejo del alma de un poeta.

 

VUELO POÉTICO

El "vuelo poético" de Raúl Zurita sobre el desierto de Atacama es una de las manifestaciones más impactantes de su arte. En 1982, como parte de su obra “La vida nueva”, Zurita llevó su poesía al cielo, escribiendo versos en el aire con la ayuda de aviones que trazaron frases en el firmamento. Este acto fue una forma de resistencia y memoria, una manera de inscribir la poesía en el paisaje chileno de una manera monumental.

 

El desierto de Atacama, con su inmensidad y su silencio, ha sido un espacio clave en su obra. En su poema “Purgatorio VII”, evoca la desolación y la búsqueda de redención en este paisaje extremo. También en otros textos, como “El desierto de Atacama III”, juega con la idea de la vastedad y la transformación del espacio en un símbolo de la historia y la identidad, por Raúl Zurita - Poeticous](https://www.poeticous.com/raul-zurita/el-desierto-de-atacama-iii?locale=es).

 

Este vuelo poético es una muestra de cómo Zurita ha llevado la poesía más allá del papel, convirtiéndola en un acto de resistencia y belleza. ¿Te gustaría profundizar en algún otro aspecto de su obra?

 

FINALMENTE, el Premio Cervantes fue un gran reconocimiento a su persona, su vida y su trayectoria poética. Sin duda, el Premio Cervantes 2024 ha sido un reconocimiento más que merecido para Raúl Zurita. Su obra, marcada por la memoria, el dolor y la esperanza, ha sido fundamental en la poesía contemporánea.

 

Su vida ha estado llena de momentos de lucha y resistencia, y su poesía ha sabido transformar la experiencia personal en una voz universal. Desde su cautiverio bajo la dictadura hasta sus actos poéticos monumentales, como la inscripción de “Ni pena ni miedo” en el desierto de Atacama y su "vuelo poético" sobre el cielo chileno, Zurita ha llevado la poesía a territorios inéditos.

 

El Premio Cervantes no solo celebra su obra, sino también su compromiso con la literatura y su capacidad de emocionar, conmover y movilizar a generaciones de lectores y escritores. Y, como bien mencionas, sigue más vivo que nunca, desmintiendo cualquier rumor sobre su partida.

 

Raúl Zurita es un poeta que trasciende lo literario y se convierte en un símbolo de resistencia, memoria y belleza. Su vida ha estado marcada por la lucha, desde su cautiverio bajo la dictadura hasta sus actos poéticos monumentales, como la inscripción de “Ni pena ni miedo” en el desierto de Atacama y su "vuelo poético" sobre el cielo chileno.

 

Su obra es un testimonio de la capacidad del arte para transformar el dolor en belleza. “Purgatorio”, “Anteparaíso”, “La vida nueva” y “Zurita” son solo algunas de sus obras fundamentales, donde explora la redención, la soledad y la memoria colectiva. Su pensamiento está profundamente ligado a la idea de que la poesía puede ser un espacio de resistencia y sanación.

 

Guardo un hermoso recuerdo. Ese gesto tan espontáneo y afectuoso que tuvo conmigo, habla mucho de la calidez humana de Zurita. Es un poeta que, además de su enorme talento literario, ha demostrado una gran sensibilidad en su trato con los demás. Su obra es profundamente conmovedora, pero su presencia, de manera especial, deja huella en quienes tienen la suerte de conocerlo en persona.

 

El Premio Cervantes 2024 no solo reconoce la trayectoria de Raúl Zurita, sino que reafirma su lugar como una de las voces más poderosas de la literatura contemporánea. Y como bien sabemos, sigue más vivo que nunca, desmintiendo cualquier rumor sobre su partida.

 

Vuestro en la poesía

Alonso de Molina

 

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Lal Ded poeta y mística del siglo XIV

Por Javier Amable

 

Lal Ded, conocida también como Lalleshvari, fue una poeta y mística del siglo XIV originaria de Cachemira, India. Su poesía, conocida como vakhs, refleja una profunda búsqueda espiritual y una crítica abierta a las normas sociales y religiosas de su época. A través de estos versos, promovió el autoconocimiento, la unidad espiritual y la compasión práctica como valores esenciales, desafiando rituales vacíos y ortodoxias restrictivas.

 

Su vida estuvo marcada por dificultades, incluido un matrimonio infeliz y tiempos turbulentos bajo las invasiones de Cachemira. Lal Ded eligió la rebeldía como camino, abandonando las ataduras materiales y sociales para abrazar una vida como mendiga errante. Es admirada tanto por hindúes como por musulmanes en la región, siendo un símbolo de trascendencia religiosa y cultural.

 

Entre sus versos más destacados, uno dice: "No atormentes este cuerpo con hambre y sed, échale una mano cuando tropiece y se caiga. Al diablo con todos tus votos y oraciones: solo ayuda a otros a lo largo de la vida, no hay adoración más verdadera." Este poema encapsula su filosofía de vida, basada en la compasión y la espiritualidad práctica, alejándose de las normas convencionales.

 

Qué me podríamos decir acerca de Lalleshvari o Lal Ded (Cachemira, 1320-1373), la que fuera poeta y mística hinduista india del siglo XIV, creadora además del estilo de poesía mística llamado vatsun o Vakhs, literalmente «habla».

 

Dicen que fue la poetisa más famosa y a la vez más rebelde de Cachemira a la vez que profundamente influyente en la historia cultural y espiritual de Cachemira. Nacida en fecha incierta, entre 1301 y 1320 en una familia brahmán cerca de Srinagar, vivió en tiempos turbulentos marcados por invasiones y cambios políticos. Su vida estuvo llena de desafíos, incluyendo un matrimonio infeliz y el maltrato por parte de su suegra.

 

Lal Ded es reconocida por sus vakhs, versos místicos que forman la base del idioma cachemir moderno. Estos poemas reflejan su búsqueda espiritual y su rechazo a las normas sociales y religiosas de su época. Fue una devota de Shiva y se convirtió en una mendiga errante, despojándose de las ataduras materiales y culturales para explorar su yo interior.

 

Su poesía, que combina elementos de diversas tradiciones religiosas y filosóficas, sigue siendo reverenciada tanto por hindúes como por musulmanes en Cachemira. Lal Ded es vista como una figura que trasciende divisiones religiosas, conocida como Lallesvari por los hindúes y Lalla Arifa por los musulmanes.

 

Lalleshvari, o Lal Ded, dejó una huella indeleble en la literatura y la espiritualidad de Cachemira. Sus vakhs (versos místicos) no solo son una de las primeras manifestaciones de la literatura en idioma cachemir, sino que también reflejan su profundo rechazo a las normas sociales y religiosas de su época. A través de su poesía, Lal Ded cuestionó la ortodoxia religiosa y los rituales vacíos, promoviendo en cambio una espiritualidad basada en la introspección y la conexión directa con lo divino.

 

En cuanto a su relación con la sociedad, Lal Ded fue una figura profundamente rebelde. En una época marcada por la rigidez de las normas sociales y religiosas, ella rompió con las expectativas tradicionales al abandonar su hogar y adoptar una vida de mendicidad y contemplación. Su decisión de deambular desnuda simbolizaba su rechazo a las ataduras materiales y culturales, y aunque fue vista como una mística excéntrica, su mensaje resonó profundamente entre las personas de todas las clases y religiones.

 

Sus versos, como este: "No atormentes este cuerpo con hambre y sed, échale una mano cuando tropiece y se caiga. Al diablo con todos tus votos y oraciones: solo ayuda a otros a lo largo de la vida, no hay adoración más verdadera", encapsulan su filosofía de compasión y acción práctica. Lal Ded abogaba por una sociedad más equitativa y basada en el compartir, lo que la convirtió en una figura atemporal y universal.

 

 

 

EVENTOS HISTORICOS:

 

La vida de Lal Ded estuvo profundamente influenciada por los eventos históricos de su época, que marcaron un período de gran agitación en Cachemira. Nació entre 1301 y 1320, en una región que enfrentaba invasiones y cambios políticos significativos. En 1320, Zulchu, un cacique de Asia Central, atacó Cachemira, lo que llevó a la caída del último rey hindú, Sahadeva. Este evento resultó en masacres y conversiones forzadas al islam.

 

 

 

Posteriormente, Shams-ud-din Shah Mir, un aventurero de Sat, invadió la región y fundó la dinastía Shah Mir, que gobernó Cachemira durante más de dos siglos. Lal Ded creció en este contexto de transformación cultural y religiosa, lo que probablemente influyó en su perspectiva espiritual y su rechazo a las normas sociales y religiosas de su tiempo.

 

 

 

Temas principales en la poesía de Lal Ded

 

La poesía de Lal Ded aborda una amplia gama de temas que reflejan su profunda espiritualidad y su visión crítica de la sociedad de su tiempo. Algunos de los temas principales incluyen:

 

Búsqueda espiritual y autoconocimiento. Lal Ded enfatiza la importancia de mirar hacia adentro para encontrar la verdad y la conexión con lo divino. Sus versos a menudo exploran la relación entre el alma y el universo.

 

Crítica a la ortodoxia religiosa. Rechazaba los rituales vacíos y las prácticas religiosas superficiales, abogando por una espiritualidad más auténtica y personal.

 

Rebeldía contra las normas sociales: Sus poemas reflejan su rechazo a las restricciones impuestas por la sociedad, especialmente en lo que respecta al papel de las mujeres.

 

Unidad y trascendencia religiosa: Lal Ded promovía una visión inclusiva de la espiritualidad, integrando elementos del hinduismo, el sufismo y otras tradiciones presentes en Cachemira.

 

Naturaleza y transitoriedad de la vida: Sus versos a menudo meditan sobre la impermanencia de la existencia y la necesidad de desapego de lo material.

 

Un ejemplo de su poesía que encapsula estos temas es:

 

Aprender las escrituras es fácil,

 

vivirlas es difícil.

 

Buscar la Realidad no es un tema simple.

 

En lo profundo de mi búsqueda,

 

las últimas palabras se disiparon.

 

Gozoso y callado, el despertar

 

que entonces me encontró.

 

  

 

BUSQUEDA ESPIRITUAL EN SUS POEMAS

 

La búsqueda espiritual es uno de los ejes fundamentales en la poesía de Lal Ded. Su trabajo refleja una profunda introspección y un anhelo constante por alcanzar lo divino a través de la experiencia directa y personal, rechazando los caminos convencionales de la religiosidad institucionalizada. A lo largo de sus vakhs, Lal Ded explora el viaje hacia el autoconocimiento como una manera de conectar con lo absoluto.

 

En su poesía, utiliza imágenes y metáforas para describir la relación entre el individuo y el universo. Por ejemplo, el acto de despojarse de bienes materiales y ataduras sociales simboliza la necesidad de liberarse de todo aquello que impide a la mente y el espíritu alcanzar la plenitud. Además, sus versos invitan al lector a mirar hacia adentro, desafiando la dependencia de ceremonias religiosas y rituales vacíos.

 

Un elemento central en su búsqueda espiritual es la idea de la presencia constante del "Ser Supremo" o lo divino en cada aspecto de la vida cotidiana. Uno de sus versos expresa este pensamiento: *"Ya sea que respires, estornudes, tosas o simplemente camines, el divino está contigo en todo momento; en cada acto, reconoce su presencia."* Esto resalta su creencia de que lo sagrado no es algo distante, sino una fuerza inmanente.

 

También desafía la idea de la separación entre lo espiritual y lo mundano, promoviendo la visión de que la iluminación no es algo que se encuentra al final de un camino, sino algo que reside en la vida misma si se vive con plena conciencia.

 

 

 

Observemos uno de los vakhs de Lal Ded, que encapsula su filosofía espiritual y su visión crítica de la sociedad:

 

No te atormentes en este cuerpo de hambre y sed

 

ayúdale a levantarse en sus caídas

 

échale una mano cuando tropiece y caiga. 

 

Al diablo con todos tus votos y oraciones

 

pero no dejes de ayudar a los demás

 

a lo largo de toda tu vida

 

solo ayuda a otros a lo largo de la vida,

 

esa es la oración verdadera.

 

En este poema, Lal Ded expone varias ideas clave:

 

 

 

1. Cuidado del cuerpo y la integridad física: El verso inicial refleja la importancia de cuidar el cuerpo como un templo, rechazando las prácticas ascéticas extremas que implican hambre o sed excesiva.

 

2. Compasión y acción práctica: Lal Ded enfatiza la ayuda mutua y el apoyo en los momentos de necesidad, señalando que las acciones tienen un impacto más profundo que las palabras vacías o las ceremonias religiosas.

 

3. Crítica a los rituales religiosos: En su línea sobre los votos y oraciones, desafía la noción de que la devoción se demuestra únicamente a través de rituales o prácticas externas, proponiendo un enfoque más humano y directo.

 

4. Ética universal: El verso final encapsula su idea de espiritualidad inclusiva, donde ayudar a los demás es visto como la forma más pura de adoración, trascendiendo divisiones religiosas.

 

Este poema resalta la esencia de su pensamiento: una espiritualidad centrada en el amor, la compasión y la acción práctica, alejándose de las normas rígidas que prevalecían en su tiempo.

 

 

 

 

 

 

Lalleshwari. Lalleshwari, (c. 1320–1392) nombrada comúnmente como Lal Ded fue un místico indio cachemir de la escuela de filosofía hindú Shaivismo de Cachemira.

 

La mayoría de los eruditos modernos sitúan el nacimiento de Lal Ded entre 1301 y 1320 d. C., cerca de Sempore o Pandrenthan. Se estima que falleció en 1373, y se le atribuye enterrada en una tumba cerca de Bijbehara

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Premio Nacional de Literatura 1925. Un siglo ya ha pasado y este “apaño” no se ha olvidado

por  Alonso de Molina

El premio amañado que hace un siglo cambió la historia de la literatura española para siempre. Podemos remitirnos al ya famoso controvertido Premio Nacional de Literatura de 1925, específicamente en la categoría de poesía. Este premio es recordado por la polémica que lo rodeó y cómo influyó en el curso de la literatura española.

 

El contexto:

 

En 1925, el panorama literario español estaba en ebullición, con la emergencia de las vanguardias.

 

El Premio Nacional de Literatura era un galardón prestigioso, y la edición de ese año generó gran expectación.

 

Los protagonistas:

 

Rafael Alberti, con su obra "Marinero en tierra", y Gerardo Diego, con "Versos humanos", fueron los galardonados en la categoría de poesía.

 

Ramón Prieto y Romero, un poeta vanguardista, también competía y su obra fue altamente valorada, pero finalmente no obtuvo el premio.

 

La polémica:

 

Se ha argumentado que el premio estuvo "amañado", con decisiones que favorecieron a Alberti y Diego, dejando fuera a Prieto y Romero.

 

Esta situación generó debate y controversia en los círculos literarios de la época.

 

El impacto:

 

El resultado del premio influyó en la trayectoria de los poetas involucrados y en la configuración del canon literario español.

 

Ramón Prieto y Romero cayó en el olvido durante mucho tiempo.

 

Este evento es un ejemplo de cómo los premios literarios pueden tener un impacto significativo en la historia de la literatura.

 

Relevancia Actual:

 

 Actualmente se está dando una revisión de la figura de Ramón Prieto y Romero, y una recuperación de su obra.

 

Por decirlo de alguna manera y resumidamente, el Premio Nacional de Literatura de 1925 es un antiguo episodio que sigue generando curiosidad y debate, y que, de alguna manera, arroja luz sobre las distintas versiones de dinámicas del mundo literario.

 

 

 

¿Quiénes componían el tribunal o jurado del premio?

 

Según la información que hemos podido recabar, el jurado del Premio Nacional de Literatura de 1925, específicamente en la categoría de poesía, estuvo compuesto por:

 

·                    Gerardo Diego (Uno de los galardonados, lo cual generó controversia).

 

·                    Gabriel Maura Gamazo

 

·                    Andrés Ovejero

 

·                    Pedro Salinas

 

·                    Ramón María Tenreiro

 

 

 

Es importante destacar que la inclusión de Gerardo Diego en el jurado, siendo él mismo uno de los premiados, levantó algunas amollas a la que dio alimento a las acusaciones de "amaño" y de todas a todas, puso en duda la imparcialidad del fallo.

 

 

 

¿A cuánto ascendía el monto económico?

 

Según la información que hemos podido recabar, el monto económico del Premio Nacional de Literatura de 1925, específicamente en la categoría de poesía, ascendía a la nada despreciable cantidad de 4.000 pesetas. Cantidad económica nada despreciables, era más que significativa para esa época, además de que el premio tenía un gran prestigio en el ámbito literario español.

 

 

 

¿En qué se basó el jurado para elegir al poeta ganador?

 

La elección de los ganadores del Premio Nacional de Literatura de 1925, Rafael Alberti y Gerardo Diego, se basó en una combinación de factores que reflejaban el contexto literario y cultural de la época. Sin embargo, la polémica que rodeó al premio sugiere que no fue una decisión puramente objetiva.

 

Se conjeturan, a continuación, algunos de los criterios que podrían haber influido en la decisión del jurado:

 

 

 

    Innovación y Vanguardia:

 

Tanto Alberti como Diego eran poetas que exploraban nuevas formas de expresión poética, alineándose con las vanguardias europeas que estaban influyendo en la literatura española.

 

Sus obras, "Marinero en tierra" y "Versos humanos", respectivamente, mostraban una ruptura con la poesía tradicional y una apertura a la experimentación formal y temática.

 

    Calidad Literaria:

 

Independientemente de la polémica, es innegable que tanto Alberti como Diego eran poetas talentosos y que sus obras tenían un valor literario significativo.

 

 El jurado pudo haber valorado la calidad de su escritura, la originalidad de sus propuestas y la fuerza de su lenguaje poético.

 

    Influencia y Redes Literarias:

 

En el mundo literario, las relaciones personales y las redes de influencia pueden desempeñar un papel importante en la concesión de premios.

 

Se ha sugerido que las conexiones de Alberti y Diego con ciertos miembros del jurado pudieron haber influido en la decisión final.

 

    El contexto del momento:

 

Fue un momento donde las nuevas corrientes literarias estaban intentando abrirse paso, y es posible que el jurado quisiera apoyar esas nuevas corrientes.

 

 

 

Es importante recordar que la decisión del jurado fue objeto de controversia y que algunos críticos y escritores de la época consideraron que otros poetas, como Ramón Prieto y Romero, merecían el premio.

 

 

 

Las influencias de entonces eran más de lo mismo de lo de hoy. Los premios de poesía siguen amañados en la mayoría de los casos, incluso se inventan y convocan premios sabiendo de antemano el o los galardonados.

 

 

 

Es cierto que la percepción de que los premios literarios pueden estar influenciados por factores ajenos al mérito puramente literario es una preocupación que ha existido a lo largo del tiempo. Las dinámicas del mundo literario, con sus redes de influencia y relaciones personales, pueden generar dudas sobre la imparcialidad de algunos premios.

 

 

 

Algunos puntos a considerar

 

    Influencias y redes literarias:

 

Las conexiones entre autores, críticos y miembros del jurado pueden influir en las decisiones.

 

Las corrientes literarias y las preferencias estéticas de la época también pueden desempeñar un papel importante.

 

   Polémicas y controversias:

 

A lo largo de la historia, muchos premios literarios han sido objeto de controversia y acusaciones de favoritismo.

 

 Estas polémicas pueden generar debates sobre la objetividad de los criterios de evaluación y la transparencia de los procesos de selección.

 

   Premios "amañados":

 

La sospecha de que algunos premios se otorgan de antemano a determinados autores es una preocupación que persiste.

 

La falta de transparencia en algunos procesos de selección puede alimentar estas sospechas.

 

La subjetividad de la valoración literaria:

 

La valoración de la literatura es inherentemente subjetiva, y los criterios de evaluación pueden variar según las preferencias individuales y las corrientes estéticas.

 

Esta subjetividad puede dificultar la aplicación de criterios objetivos y generar debates sobre la justicia de los premios.

 

No obstante, y a pesar de estas inquietudes, algunos premios literarios siguen siendo considerados como plataforma de lanzamiento de un autor, debido a importantes reconocimientos al talento y la calidad literaria. Sin embargo, es fundamental promover la transparencia y la objetividad en los procesos de selección para garantizar la credibilidad de estos galardones otorgados.

 

 

 

¿Hoy día qué se valora a la hora de conceder un premio literario?

 

Personalmente he formado parte de varios jurados tanto en España como en otros países de Latinoamérica. Cuando he aceptado formar parte de un jurado, me he tomado ese trabajo muy en serio, he leído y subrayado los trabajos que me han pasado los organizadores, me refiero a la fase final pues suele haber una criba previa  normalmente formada por miembros del comité  organizador y al jurado tan solo nos llegan los finalistas, según el concurso y la cantidad de participantes, recibimos entre 10 y 20 obras, obras que tenemos que dilucidar en un periodo de tiempo a veces muy estrecho, normalmente un mes; la concesión de premios literarios en la actualidad implica una compleja interacción de criterios que buscan reconocer la excelencia en la escritura. Aunque la subjetividad siempre juega un papel, se pueden identificar algunos valores que suelen tenerse en cuenta:

 

 

 

Calidad literaria:

 

Este es el pilar fundamental. Se evalúa la maestría en el uso del lenguaje, la originalidad del estilo, la riqueza de la prosa o la poesía, y la capacidad de la obra para conmover o hacer reflexionar al lector.

 

Originalidad y creatividad:

 

Se busca premiar obras que aporten algo nuevo, que exploren temas o formas narrativas innovadoras, y que se distingan por su singularidad.

 

Relevancia cultural y social:

 

Cada vez más, se valora la capacidad de la literatura para abordar temas relevantes para la sociedad contemporánea, como la diversidad, la justicia social, o la exploración de la condición humana.

 

Impacto emocional:

 

La capacidad de una obra para generar emociones en el lector, para conmover, sorprender o hacer reflexionar, es un factor importante en la evaluación.

 

Coherencia y cohesión narrativa:

 

Se evalúa la estructura de la obra, la coherencia de la trama o el desarrollo de los personajes, y la capacidad del autor para mantener el interés del lector.

 

Diversidad de voces:

 

Existe un creciente interés en reconocer la diversidad de voces y perspectivas en la literatura, incluyendo obras de autores de diferentes orígenes étnicos, culturales y de género.

 

 

 

Es importante tener en cuenta que los criterios pueden variar según el tipo de premio y la institución que lo otorga. Algunos premios pueden enfocarse más en la innovación, mientras que otros pueden valorar más la tradición literaria.

 

 

 

No obstante, podemos decir que en la actualidad existe una mayor conciencia sobre la necesidad de transparencia en los procesos de selección, para evitar suspicacias y garantizar la credibilidad de los premios. En la actualidad, los premios de poesía suelen evaluar varios aspectos clave de una obra, como:

 

—Calidad literaria: Uso del lenguaje, originalidad y creatividad en la expresión poética.

 

—Técnica y estilo: Dominio de la métrica, el ritmo, las figuras retóricas y la estructura del poema.

 

—Profundidad y emoción: Capacidad para transmitir sentimientos, reflexiones o sensaciones de manera auténtica.

 

—Temática y relevancia: Significado del poema y su conexión con temas actuales o universales.

 

—Impacto y resonancia: Cómo la obra afecta al lector y qué impresión deja tras su lectura.

 

 

 

Cada certamen suele tener criterios específicos, pero en general, se valoran obras que destaquen por su fuerza expresiva y su capacidad de conmover o desafiar al lector.

 

 

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Vargas Llosa: hemos leído la triste noticia

Por Alonso de Molina

 

Sí, nos hemos enterado, hemos leído la triste noticia. Es una gran pérdida para la literatura en español y para la literatura hispanoamericana y mundial, abarcando temas como el poder, la corrupción, la libertad y las contradicciones sociales, Mario Vargas Llosa ha sido un escritor extraordinario, con una obra vasta y muy influyente.

 

Galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 2010 por su contribución a la literatura y su crítica mordaz a las estructuras del poder, su fallecimiento, a los 89 años en Lima, nos deja un vacío enorme.

 

Algunas de sus obras literarias más destacadas:

 

•La ciudad y los perros (1963). Su primera novela, ambientada en un colegio militar de Lima, presenta personajes como el Jaguar, el Poeta y el Esclavo, quienes reflejan la violencia y el autoritarismo de la sociedad peruana.

 

•La casa verde (1966). Una narración compleja que entrelaza historias en la selva peruana y el desierto costeño. Explora temas como la marginalidad y el deseo.

 

•Conversación en La Catedral (1969). Considerada su obra maestra, aborda la dictadura de Manuel A. Odría y la decadencia moral de la sociedad peruana. Santiago Zavala y Ambrosio son personajes clave.

 

•Pantaleón y las visitadoras (1973). Una sátira sobre el ejército peruano, con el capitán Pantaleón Pantoja como protagonista. Se trata de una novela con un tono más satírico y humorístico, que aborda un tema delicado con ingenio y agudeza. La creación de un servicio de "visitadoras" para el ejército en la selva peruana da pie a situaciones hilarantes y a una crítica de la burocracia y la moralidad por la forma en que Vargas Llosa mezcla lo cómico con lo serio.

 

 

 

•La tía Julia y el escribidor (1977). Mezcla autobiografía y ficción, narrando su relación con su tía política Julia Urquidi.

 

•La guerra del fin del mundo (1981), otra de sus grandes creaciones, basada en hechos reales, narra la Guerra de Canudos en Brasil, con personajes que reflejan el fanatismo y los conflictos sociales.

 

•Travesuras de la niña mala, publicada (2006), es una historia de amor nada convencional que abarca décadas y diferentes ciudades del mundo. La relación apasionada y tormentosa entre Ricardo y la "niña mala" es inolvidable. Una novela conmovedora por su exploración del deseo, la obsesión y la naturaleza escurridiza del amor.

 

•Le dedico mi silencio, la última novela de Mario Vargas Llosa, publicada en 2023, obra que marca su despedida de la narrativa de ficción y es un homenaje a la música criolla peruana, destacando géneros como el vals, la marinera y el huaino. La historia sigue a Toño Azpilcueta, un apasionado erudito de la música popular peruana que sueña con un país unido a través de sus tradiciones musicales.

 

Compartir estos recuerdos puede ser una forma de mantener viva su memoria y celebrar su legado.

 

Cada uno de estos libros es un testimonio de su versatilidad y su capacidad para explorar la condición humana desde múltiples perspectivas.

 

Cinco esquinas es una novela más reciente, publicada en 2016, que mezcla elementos de thriller con una crítica social del Perú durante la época de Fujimori. Tensión política y forma en que explora las relaciones humanas en un contexto de incertidumbre.

 

Vida intensa

 

Es cierto, la vida personal de Mario Vargas Llosa fue tan intensa y a veces tan pública como sus novelas. Tuvo varias relaciones significativas a lo largo de su vida.

 

Julia Urquidi: Su primera esposa. Se casaron en 1955 cuando él era muy joven. Julia era la tía de su futura segunda esposa, Patricia Llosa. Su relación duró unos ocho años y fue una figura importante en sus inicios como escritor, apoyándolo en sus ambiciones literarias. Vargas Llosa inmortalizó esta relación en su novela "La tía Julia y el escribidor".

 

Patricia Llosa Urquidi: Se casaron en 1965 y estuvieron juntos por más de 50 años. Patricia fue su prima hermana y se convirtió en una compañera de vida y un gran apoyo en su carrera literaria. Tuvieron tres hijos: Álvaro, Gonzalo y Morgana. Su separación en 2015 fue muy mediática.

 

Isabel Preysler: Tras su separación de Patricia, Vargas Llosa inició una relación con la socialité española Isabel Preysler. Esta relación también fue muy seguida por la prensa y duró varios años, finalizando en 2022.

 

Es interesante cómo la vida de un escritor a menudo se entrelaza con su obra, aunque a veces nos sorprenda la distancia entre la complejidad de sus personajes y sus propias vivencias. En el caso de Vargas Llosa, sus relaciones sentimentales fueron objeto de mucha atención pública, especialmente sus matrimonios y su relación con Isabel Preysler.

 

Ese famoso Affaire

 

El famoso affaire. Oh, sí, cómo no, haremos mención al comentadísimo puñetazo que Mario Vargas Llosa propinó a otro insigne de las letras, nada menos que a Gabriel García Márquez. Resultó ser uno de esos incidentes que quedaron grabados en la historia de la literatura latinoamericana y mundial, un momento en que la amistad entre dos gigantes de las letras se rompió de forma abrupta y pública.

 

Ocurrió el 12 de febrero de 1976 en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México. García Márquez se acercó a Vargas Llosa con los brazos abiertos, como era su costumbre, pero Vargas Llosa reaccionó inesperadamente propinándole un puñetazo en la cara dejándole un ojo morado. Aunque no hay confirmación oficial sobre si fue con el puño izquierdo o derecho, las imágenes posteriores muestran el impacto en el ojo izquierdo de García Márquez, lo que sugiere que probablemente fue con el puño derecho.

 

Este episodio marcó el fin de su amistad y ha sido objeto de especulación durante décadas. Las razones detrás del altercado nunca fueron aclaradas por los escritores, pero se han planteado teorías que van desde diferencias personales hasta conflictos ideológicos. ¡Un capítulo tan intrigante como las novelas que ambos escribieron!

 

La razón exacta nunca se ha sabido con certeza, y ambos escritores mantuvieron un silencio casi absoluto sobre el tema durante décadas, no obstante, se han barajado varias teorías:

 

• Un asunto personal: La más extendida sugiere un conflicto relacionado con la esposa de Vargas Llosa en ese momento, Patricia Llosa. Algunos rumores apuntan a que García Márquez habría tenido algún tipo de acercamiento o comentario que Vargas Llosa interpretó como una traición.
• Diferencias políticas: Aunque ambos inicialmente compartieron ciertas simpatías políticas hacia la izquierda, con el tiempo sus posturas se distanciaron significativamente. Vargas Llosa evolucionó hacia el liberalismo y el conservadurismo, mientras que García Márquez mantuvo su cercanía con el régimen cubano de Fidel Castro. Esta divergencia ideológica pudo haber contribuido a la tensión entre ellos.
• Rivalidad literaria: Aunque ambos se admiraban en sus inicios, la competencia y los egos de dos figuras tan importantes en el boom latinoamericano podrían haber jugado un papel.
  
  

 

Lo cierto es que el puñetazo marcó el fin de una amistad que parecía sólida. Antes del incidente, eran muy cercanos, se admiraban mutuamente y compartían momentos con sus familias. Incluso Vargas Llosa había dedicado una de sus primeras novelas a García Márquez. Después de ese día, nunca más se dirigieron la palabra.

 

Es una llamada de atención a que incluso las personas más brillantes y admiradas pueden tener conflictos personales intensos. Este episodio añadió una capa de leyenda y misterio a la relación entre dos de los escritores más importantes del siglo XX.

 

En los años previos al famoso puñetazo, Mario Vargas Llosa y Gabriel García Márquez fueron amigos muy cercanos. Sus familias compartían momentos importantes y sí, incluso disfrutaban de vacaciones juntos.

 

Hay varias anécdotas que ilustran esa amistad:

 

Apoyo mutuo en los inicios: Cuando ambos eran jóvenes escritores buscando su lugar en el mundo literario, se apoyaron y admiraron mutuamente. Vargas Llosa, por ejemplo, dedicó su novela "La ciudad y los perros" a García Márquez.

 

Encuentros y tertulias: En sus viajes y residencias en diferentes ciudades, como París y Barcelona, solían reunirse, compartir ideas sobre literatura y política, y disfrutar de la compañía del otro.

 

Celebraciones familiares: Hay fotografías de sus familias juntas en celebraciones y reuniones informales, lo que demuestra un vínculo que iba más allá de lo profesional.

 

Viajes compartidos: Efectivamente, hay testimonios de que realizaron viajes juntos, disfrutando de momentos de ocio y camaradería.

 

Por eso, el quiebre de su amistad fue aún más sorprendente y doloroso para muchos en el mundo literario y para quienes seguían de cerca sus carreras. Parecía una amistad sólida y profunda, basada en la admiración mutua y en experiencias compartidas.

 

El misterio que rodea la causa exacta de su pelea solo añade una capa más de intriga a esta historia. Es un recordatorio de que las relaciones humanas, incluso las más fuertes, pueden ser frágiles y susceptibles a rupturas inesperadas.

 

Sobre su etapa en Cochabamba

Mario Vargas Llosa tuvo una conexión muy especial con Cochabamba, Bolivia, donde pasó su infancia entre 1937 y 1946. Durante esos años, vivió rodeado de amor y estabilidad, lo que él mismo describió como un "paraíso". Aprendió a leer a los cinco años en el Colegio La Salle, bajo la guía del hermano Justiniano, y consideró este momento como el más importante de su vida. La lectura se convirtió en su refugio y en la chispa que encendió su pasión por la literatura.

En Cochabamba, Vargas Llosa descubrió autores como Julio Verne y Pablo Neruda, que alimentaron su imaginación y lo llevaron a soñar con mundos lejanos. Aunque esta ciudad no aparece directamente en sus novelas, él siempre la recordó con ternura y gratitud, mencionándola incluso en su discurso al recibir el Premio Nobel de Literatura en 2010.

La etapa de infancia de Mario Vargas Llosa en Cochabamba, Bolivia, fue fundamental para su desarrollo como escritor. Vivió allí entre 1937 y 1946, rodeado de amor y estabilidad, lo que él mismo describió como un "paraíso". Durante esos años, aprendió a leer en el Colegio La Salle bajo la guía del hermano Justiniano, un momento que él consideró el más importante de su vida.

La lectura se convirtió en su refugio y en la chispa que encendió su pasión por la literatura. Autores como Julio Verne y Pablo Neruda alimentaron su imaginación, permitiéndole viajar a mundos lejanos y explorar emociones profundas. Aunque Cochabamba no aparece directamente en sus novelas, esta etapa marcó su sensibilidad narrativa y su amor por contar historias.

Además, su conexión con Bolivia se reflejó en su vida personal, ya que contrajo matrimonio con la boliviana Julia Urquidi, quien inspiró su novela "La tía Julia y el escribidor". Este vínculo con Bolivia y su infancia en Cochabamba dejaron una huella imborrable en su obra y en su visión del mundo.

 

Para finalizar ofrecemos una lista cronológica de las novelas más destacadas de Mario Vargas Llosa:

 

 1. Los jefes (1959) - Colección de cuentos.

 2. La ciudad y los perros (1963).

 3. La casa verde (1966).

 4. Conversación en La Catedral (1969).

 5. Pantaleón y las visitadoras (1973).

 6. La tía Julia y el escribidor (1977).

 7. La guerra del fin del mundo (1981).

 8. Historia de Mayta (1984).

 9. ¿Quién mató a Palomino Molero? (1986).

 10. El hablador (1987).

 11. Elogio de la madrastra (1988).

 12. Lituma en los Andes (1993).

 13. Los cuadernos de don Rigoberto (1997).

 14. La fiesta del Chivo (2000).

 15. El Paraíso en la otra esquina (2003).

 16. Travesuras de la niña mala (2006).

 17. El sueño del celta (2010).

 18. El héroe discreto (2013).

 19. Cinco esquinas (2016).

 20. Tiempos recios (2019).

 21. Le dedico mi silencio (2023).

 

Además de estas novelas, Vargas Llosa también publicó ensayos, memorias y cuentos infantiles.

No dejemos nunca de explorar las prestigiosas obras del famoso escritor y Premio Nobel de Literatura, sus obras no son solo historias, son ventanas abiertas a las complejidades de la condición humana, al poder, la pasión, las contradicciones y los sueños. Desde los conflictos juveniles de La ciudad y los perros, hasta el viaje filosófico y cultural en La guerra del fin del mundo, Vargas Llosa nos recuerda que la literatura es un espejo en el que podemos ver reflejados nuestros miedos, nuestras aspiraciones y nuestras verdades más profundas.

Leer a Vargas Llosa es más que un placer literario; es un acto de conexión con nuestra humanidad y con el mundo. Cada página invita a cuestionar, reflexionar y sentir. En tiempos donde las distracciones son infinitas, redescubrir su obra es un acto de resistencia y un tributo al poder transformador de la palabra.

Las novelas de Mario Vargas Llosa no solo cuentan historias, nos recuerdan quiénes somos y quiénes podemos llegar a ser.

 

Gracias por venir.

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